「写真」みたいな葛飾北斎

長野滞在中は路上三昧で、実家の近所をひたすら歩き回っていたのだが、「非人称芸術」だけじゃなくて「芸術」もちゃんと見なくちゃと最近思っていることもあって、小布施町の「北斎館」に行ってきた。
北斎館は十数年前のフォトモを始めたばかりの頃に見に行ったことがあるのだが、実のところぼくのフォトモは北斎の影響を多大に受けている。
いや北斎だけでなく、江戸文化全体の影響を受けているのだが、近代的な「個人」とか「自己」のようなベットリと、ヌットリとしたヒューマニズムではなく、なんというかちょっと突き放したようなドライな人間観がぼくの感覚にフィットしたのである。

つまり、ぼくが好きな浮世絵でいうと北斎とか国芳の表現というのは、人間に愛情を注ぎながらも、それはドライな観察者といった感じで、だからその影響を受けたぼくは、人間をミニチュアとして表現する「フォトモ」という技法に至ったといえるのだ。

まぁ、それはともかくとして、現在のぼくは「フォトモ」のような「反写真」とは別モードの「反ｰ反写真」、すなわちまっとうな「写真」の視点で路上スナップを撮っている。
それは「非人称芸術」のいわば前提となる「芸術」をあらためて掘り下げる試みでもあるのだが、その一環としてあらためて「芸術」としての北斎を鑑賞してみたのだ。

それで気づいたのは、北斎の浮世絵が、きわめて「写真」的であることなのだ。
北斎の浮世絵は、絵であり版画でありマンガ表現で気でありながら、まるで「写真」のようなのである。
ぼくが北斎観に言ったときは『諸国瀧廻り』のシリーズが展示されていて、ネットで検索したら画像がアップされていたので、元のサイトから以下転載させていただくことにする。

これらを見てあらためて気づくのは、建物や人物などのオブジェクトが四角い画面で切れていて、そこが極めた「写真」的なのである。
実はぼくはこのような「オブジェクトの一部を画面で切る」ということができなくて、それで「オブジェクトを丸ごと切らなくて済む」フォトモやツギラマに到達したのであり、その意味では北斎先生にまったく従っていないのだった。

しかし、「もう一つの人格」として「写真」に回心した自分としては、「写真家」としての葛飾北斎のワザが、とてもよく理解できる（気がする）。
「オブジェクトの一部を画面で切る」のは、同時に「オブジェクトを画面構成の要素として利用する」のと同じことであり、ことふたつのワザはぼくの最近の「反ｰ反写真」でもっとも意識してることなのだ。
この『諸国瀧廻り』を見てると、標準レンズ50mmより望遠の100〜200mmくらいのレンズが付いたカメラを北斎が構え、目の前の風景を「切り取った」ふうに見えてならない。

これがもし、近代以前の視点であったならば、必要なオブジェクトは画面の外でカットされず、全てが画面の内側に集められて描かれていたはずである。
そこを冷徹にカットし、画面構成の素材の寄与する視点は、明らかに「写真」的だというように思えてしまうのだ。

また、北斎の描く人物はまさしく「写真」のように、一瞬の姿がさりげなく捉えられている。
これが西洋の写実絵画だと、人物がいかにも長時間そのままのポーズでいたかのような堅い姿勢で描かれたりするのだが、北斎の版画に描かれた人物はさりげなく生き生きと動いているかのようなポーズで描かれている。西洋の写実絵画は、モデルにポーズを撮らせて長時間露光した写真のようだが、それに対して北斎の目は、まさに高速シャッターで被写体を捉える現代のカメラと同等の機能を備えているのだ。

北斎の存命中（1760年〜1849）はヨーロッパに写真は存在したが（フランス人のニエプスが写真術を発明するのが1816年）、しかし当時の感光剤は露光に数分を要するため、当時の写真に写る人物はいずれもぎこちなくわざとらしいポーズを撮っており、その意味では「絵画的」であった。
だからこそ、北斎に限らず日本の絵描きたちの眼は、「写真」に先駆けて「写真」的だったのだと言えるのだ。

というようなことは、これまで専門家によってさんざん言い尽くされてるのかもしれないが、まぁとリア絵図は自分が気づいたという新鮮な気持ちで書いてみた次第である。